The Devil's Double, es una película que se ha estrenado este año y cuenta la historia de Latif Yahia, que durante varios años fue obligado a ser el doble de Uday Hussein, uno de los hijos del dictador de Irak, Saddam Hussein. La película, basada en los libros escritos por el propio Yahia (I was Saddam's Son - 1997 , The Devil's Double - 2003 , The Black Hole - 2006), narra como de ser un teniente en la guerra contra Irán , es forzado, debido a su parecido físico, por medio de la tortura y la amenaza de muerte a su familia, a ser el fiday (doble) de Uday, quien era conocido como el príncipe negro en Irak y temido por su desbocada e impredecible conducta violenta, que iba desde la torturas a las violaciones y asesinatos.
Basado en hechos reales, es sorprendente cuan extrema puede llegar a ser la conducta de las personas cuando no tienen límites. El propio Yahia, dice que la película es bastante suave (a raíz de la polémica que era un película muy explícita por la violencia que contenía) a comparación de lo que él pudo ver en la realidad.
Se puede ver la lucha de Latif, por no perder su personalidad y no dejarse arrastrar a esa vorágine tormentosa que era la vida de Uday.
Les recomendamos que la vean, no se van a aburrir, tiene algo de Scarface y la actuación de Dominic Cooper en el protagónico es interesante. El otro año, sale un documental sobre el propio Yahia para contarnos como fue lo que vio y vivió en Irak durante sus años de fiday.
Algunos gustan de Bunbury en su carrera solista como otros que no y lo prefieren con Héroes del Silencio, sin embargo entre esos algunos se cuenta Miguel Grumo, como saben el vocalista y bajista de nuestro grupo. Pues bien dentro de poco (en diciembre) ya sale su nuevo disco "Licenciado de Cantinas", un álbum de covers, de canciones latinoamericanas que aprendió yendo a las cantinas de cada país en donde estuvo y a las que les tiene más cariño. Pues en lo que nos toca, ha hecho una versión del vals peruano Ódiame muy a su estilo y con el que seguro sus seguidores se van a deleitar.
El siguiente video es la cosmovisión Bunbury y el proceso de grabación de este disco
Buscando sonidos para el proceso de mezcla de la nueva producción de Los Grumos, nos topamos con el Eigenharp, un impresionante aparato que condensa muchos instrumentos en uno solo. Como sacado de algun episodio de Stars Wars, este aparato tiene lo que cada integrante grumo busca en una mujer, se deja apretar, se deja soplar y se puede frotar. Inventado por el ingles,John Lambert, viene en tres modelos y los precios van de los 400 euros a los 4000, un poco alejado de nuestro actual(y futuro) presupuesto.
Hace poco, en un charla entre los grumos, mientras hacíamos una pausa en la grabación, discutíamos la posibilidad de inventar algo y entre ideas locas surge la de Jammyl quizás por ser el guitarrista nos menciona que lo ideal sería hacer una guitarra sin cuerdas. Porque estas son el punto débil de una guitarra por su desgaste, porque hay que afinarla constantemente, entre otras cosas. Claro su idea tampoco es que se parezcan a esos juguetitos de plástico que vienen con los juegos de video donde aprietas botones, sino que tal vez conservando su clásica forma, la guitarra sin cuerdas pueda tocarse las notas, sin tocar el diapasón, como si existieran unas cuerdas imaginarias.
Con esa idea en mente, sumergiéndonos en la web recorriendo nuestros habituales sitios, nos dimos con la sorpresa del Theremin, este aparato que pensábamos destinado solo a hacer sonidos extraños para películas de ciencia ficción de los años 50.Una revisión rápida alwikipedianos dice que fue inventado por un ruso Lev Serguéievich Termen en el año 1919, tan buena impresión causo que hasta Lenin aprendió a tocarlo. Hasta la fecha su uso ya se ha tecnificado y hasta cierto punto popularizado y hoy en día podemos escucharlo en todo tipo de género musical.
Lo que sigue es la causa del post, una explicación y performance de Pamela Kurstin, que en aproximadamente 20 minutos nos demuestra que la idea de tener una guitarra sin cuerdas no está muy lejana.
Los Grumos, despúes de un buen tiempo regresan al blog, para ponerlos al tanto de como van las cosas en el mundo grumo.
Tuvimos un concierto el pasado Jueves 27 de Octubre en el Elemental bar de Miraflores, y agradecemos a todos los que fueron esa noche, por supuesto también agradecemos al grupo Gautama (http://www.myspace.com/gautamarock) que tuvieron el gran gesto de pensar en nosotros e invitarnos a tocar.
Esa noche tocamos varios temas de lo que será la nueva producción, acompañados siempre con el apoyo de la magistral guitarra de Javier Pino.
El popular Billy Corgan y compañía, integrantes de Smashing Pumpkins, arribaron a las 11:20 a.m. al Aeropuerto Internacional Jorge Chávez de Lima. Como se sabe, la banda noventera será mañana la principal atracción de Lima Hot Festival.
Decenas de fanáticos llegaron al aeropuerto para recibir a sus artistas y se llevaron lo mejor de ellos. Los integrantes de la banda les agradecieron el gesto de recibirlos e incluso Billy Corgan les firmó algunos autógrafos en los discos que llevaron.
Mañana, en el estadio de San Marcos, Corgan será el gran protagonista de la segunda edición del Lima Hot Festival, que también tendrá en su cartel a Stereophonics, La Mente, Space Bee y Leusemia.
Los Grumos, pone a disposición de todo el que desee, la descarga gratuita del disco EP grabado en el 2007. Contiene 6 temas : "Rabia", "El Hombre Positronico", "Aplastante realidad", "Paisaje pop", "4to Poder" y "Era un mar".
Pueden descargar gratuitamente del siguiente link:
Las chicas se pintaron los colores de cada país en el pecho y lo defendieron a muerte.
La antesala .-
La selección alemana se enfrentará mañana a Australia, por el grupo D de la Copa del Mundo en Durban y unas actrices porno, representando a cada país, no tuvieron mejor idea que enfrentarse en un partido de playa en Berlín.
Lo mejor de todo es que las chicas se pintaron los colores de la camiseta de Australia y Alemania en el pecho. Al final las australiana fueron las ganadoras de este peculiar partido, mañana veremos el partido de verdad, cuando se enfrentes las escuadras de dichos paises, aunque a decir verdad, en este momento eso no importa mucho.
Campaña de prensa en Italia demanda al Gobierno de ese país salir en apoyo de la actriz ícono.
El actor italiano Lino Banfi ha hecho un llamado a las autoridades del país para ayudar a la actriz Laura Antonelli, mito erótico del cine de los años 70, que desde hace más de una década vive casi en la indigencia y cuyo mayor deseo es “ser olvidada”.
Así ha respondido la actriz a la carta que publicó ayer Banfi en el diario “Corriere de la Sera”, en la que lamenta el estado en el que se encuentra Antonelli, de 69 años, a quien vio recientemente después de intentar localizarla durante varios años, preocupado por su salud.
En la carta, Banfi, uno de los actores cómicos más conocidos de Italia, cuenta que se le encogió el corazón cuando acudió a su casa después de 22 años sin verla y ella le confesó: “No creo que me quede mucho por vivir, pero me gustaría vivir dignamente”.
Según el actor, Antonelli, quien saltó a la fama en 1973 con el largometraje “Malicia”, del director Salvatore Samperi, o intérprete de cintas como “El inocente”, de Luchino Visconti, vive con una pensión de 510 euros al mes.
Antonelli estuvo retirada del cine durante años, por causa de una depresión y después de sufrir una condena de tres años y medio de prisión tras ser detenida por los carabinieri que hallaron en su casa 40 gramos de cocaína, lista para ser consumida por la actriz y los invitados a su fiesta. Laura fue absuelta después de nueve años de proceso judicial, y su vida ha permanecido en el punto de mira mediático.
Además, para la que iba a ser la película con la que retomaría su carrera, “Malicia 2000”, la actriz acudió a un especialista estético, que le inyectó colágeno en su rostro, lo cual luego de una reacción alérgica se lo desfiguró. Con ello terminó definitivamente su carrera. Lo último que se supo de ella es que, tras superar una profunda depresión, estaba dedicada a la oración.
Nacida el 28 de noviembre de 1941 en Pola, Istria (territorio antes italiano y ahora croata) y criada en Nápoles, Laura Antonaz [apellido que modificó por el más italiano Antonelli] fue modelo publicitaria hasta que debutó en el cine, a los 23 años, con “Le sedicenni”, de Luigi Petrini. Su esplendor empezó con la década siguiente, la de los años 70, donde brilló primero al lado de Lando Buzzanca en “El mirlo blanco”, de Festa Campanile. Luego vinieron “Sin móvil aparente”, “Doctor Casanova”, “Malicia”, “¡Dios mío, cómo he caído tan bajo!”, “Divina criatura” o “El inocente”, de Luchino Visconti.
La actriz ha agradecido el llamado de Lino Banfi al ministro de Cultura italiano, Sandro Bondi, y al primer ministro Silvio Berlusconi para que se hagan cargo de su situación, pero a través de su abogado ha dicho que no quiere volver a hacer entrevistas o salir en televisión.
“Agradezco mucho a Lino Banfi, porque la ayuda podría brindarme una vida más serena, pero lo que de verdad quiero es que todos me olviden”, afirmó tajante la mítica actriz desde su doloroso retiro.
El artista cumple hoy 80 años, y en su vasta trayectoria ha marcado a la cinematografía con películas célebres como actor y director.
Lejos del retiro, Clint Eastwood no tiene tiempo para descansar, pensar en su legado o dormirse en los laureles de su leyenda. Él se apoya en la frase del músico Jerry Fielding: “Llegamos hasta aquí, no lo arruinemos pensando”. Hoy a sus 80 años pelea, como todos los días, por darle integridad a su larga carrera como artista.
La imagen de rostro rústico y mirada impenetrable no estaría completa si la mano no empuña un revólver que apunta a la cabeza de un forajido. El Western le debe a Clint Eastwood sus mejores horas, frases y momentos. Lo dotó de una mística insuperable. Y lo resucitó en 1992 con la oscarizada cinta Los Imperdonables.
Esa misma estampa debía trascender a nuestra realidad. Dignificó el género policial durante la década de los años 70 empuñando, esta vez, una Magnum 44, en nombre de una comisaría de San Francisco. Es así como nace Harry “Harry el sucio” Callahan, que gracias a Eastwood es de los policías cínicos, entrañables y más temidos, aún hoy. Esa década la inició como parte de una camada de tipos rudos y egos enormes en la cinta cómica de guerra Kelly’s Heroes, con Telly Zavalas y Donald Sutherland.
Trilogía western
Eastwood empezó a hacerse un nombre en películas serie B al adquirir experiencia como vaquero por un espacio de siete años en la popular serie Rawhide, encarnando al vaquero ejemplar Rowdy Yates. Para 1963 le llegó una oferta de hacer un western con Sergio Leone. Muchos actores de serie B fueron considerados para el papel, entre ellos Richard Harrison, quien le sugirió a Leone que contratara a Clint Eastwood.
En la trilogía western, Leone y Eastwood encontraron un lugar en el tiempo, al que con facilidad se puede acceder y no regresar. A Fistful of Dollars (1964), For a Few Dollars More (1965) y The Good, the Bad and the Ugly (1966) son historias en las que nadie se imagina a alguien más como actor principal. Eastwood le puso un poncho y un cigarro en la comisura izquierda a sus tres personajes Joe, Monco y Blondie, y les dosificó con una presencia enigmática. Nunca sabremos qué es lo que piensan, ni qué hacen. Lo único que entendemos es que la justicia prevalece y la impone él, un personaje cuyo nombre nunca sabremos, un héroe anónimo del que acaso sabremos sólo el apodo, todos ellos inmersos en esa cualidad enigmática e hipnótica.
La trilogía es asombrosa por su narración, paisajes, el detalle a las líneas de los rostros de sus personajes, acompañadas de una banda sonora creada por Ennio Morricone.
Él es la ley
El éxito vendría con el inspector Harry Callahan en la cinta Harry el sucio (1971) y que tuvo cuatro secuelas, las tres primeras dirigidas por Don Siegel y la última por Eastwood. El discurso que Callahan les da a los asesinos antes de morir es otra marca indeleble del cine. Callahan es el estereotipo del policía rudo, cínico, que siempre manda al diablo a sus jefes, que es anárquico y no reconoce a la autoridad. Harry derriba puertas sin orden de cateo, es decir, quiebra todas las leyes conocidas por el hombre. Pero cuando empuña su Magnum se convierte en un instrumento de la justicia para capturar al asesino. Jamás se ha celebrado tanto a un antihéroe como a Harry el sucio.
Un director duro
Pocos actores tienen la suerte de formar una relación íntima con el espectador, y muchos directores son envidiados por tener un nivel de estima aceptable por la comunidad del cine. Eastwood es dueño de ambos reconocimientos: es un actor rudo con corazón y un director que explora los sentimientos.
Su carrera como realizador la inició con el documental de 12 minutos The Beguiled: The Storyteller (1971), obra que fue aclamada en Francia. A ello le seguiría su primer largometraje Play Misty For Me y cuyo trabajo le valió el respeto de la comunidad cinematográfica y de la crítica.
Para 1992 dirige y actúa en Los Imperdonables, y junto con su amigo entrañable Morgan Freeman dan vida a dos forajidos retirados que tratan de redimirse ante la sociedad que los recuerda como un par de asesinos. No es hasta 2003 cuando Clint Eastwood se sienta a la par de los grandes directores con la cinta Río Místico, que incluye un reparto de lujo encabezado por Sean Penn; el filme tuvo un éxito de crítica y taquilla. Pese a su trayectoria, Eastwood sigue humilde y revela que “el secreto de la vida es, realmente, nunca dejar de aprender”.
Dos años después aparece Golpes del destino, que fue un éxito anunciado. Interpreta a un entrenador viejo, con muchas contradicciones como instructor y como ser humano. Va a la iglesia y no cree en Dios. Eastwood respondió a esta contradicción de lo más honesto posible: “No soy uno de esos tipos que han sido terriblemente activos en las religiones organizadas. Pero no les falto el respeto. Nunca trataría de imponerle mis dudas a otra persona”.
No le bastó realizar una película sobre un momento histórico de la Segunda Guerra Mundial con The flags of our Fathers sino que realizó Cartas de Iwo Yima, ambas en un espacio de 18 meses sobre el mismo evento, pero desde las dos caras de la historia.
Continúa con Gran Torino (2008), una ventana a lo que Eastwood pudo convertirse de no ser estrella de cine.
En Invictus (2010) regresa a trabajar por tercera vez con Morgan Freeman. En esta ocasión, para contar la historia de Nelson Mandela y la victoria de la selección sudafricana de rugby en el estadio Invictus. Ahora, Eastwood prepara el thriller Hereafter, protagonizada por Matt Damon, y se encuentra en la fase de preproducción de película sobre el controversial ex director del FBI, J. Edgar Hoover.
Eastwood, ícono pop
Dentro de la cultura popular, Clint Eastwood ha sido objeto de varias bromas y homenajes. El más conocido es el de Volver al futuro III, cuando el personaje de Michael J. Fox se presenta como “Eastwood, Clint Eastwood”. Vence a su enemigo Bufford Tannen con una plancha de hierro como el personaje de Joe en A Fistfull of Dollars. Asimismo, el personaje de MacGarnicle en los Simpson es una parodia de Harry Callahan.
Cientos de películas con personajes que empuñan un arma recitan las líneas del inspector Callahan. Eso demuestra el peso de Clint, que a sus 80 años es una de las luminarias las que no les basta con dejar un legado sino que despierta emoción en la cinematografía mundial por lo que queda por venir.
Entrevista subtitulada de la película Gran Torino
Entrevista a Clint Eastwood sobre el director Sergio Leone
El actor y director Dennis Hopper, cuya carrera admirable incluyó el gran éxito de 1969 “Easy Rider” (Busco mi destino), murió este sábado en su casa de Venice, California, a los 74 años. Hopper sufría cáncer de próstata y murió rodeado por familiares y amigos, dijo Alex Hitz, un amigo de la familia.
La carrera llena de altibajos de Hopper incluyó una participación temprana en “Rebel Without a Cause” (Rebelde sin causa), el éxito impensado de la épica historia de hippies y motociclistas Easy Rider y una actuación clásica en Terciopelo Azul.
El éxito de “Easy Rider” y el fracaso espectacular de su siguiente cinta, “The Last Movie”, ejemplifican la historia del actor y director, de gran talento pero a veces difícil de controlar.
También tuvo papeles en películas clásicas como la bélica Apocalypse Now y la deportiva Hoosiers.
Hopper recibió dos nominaciones al Óscar y en marzo del 2010 lo homenajearon con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
ADICCIONES Su carrera de actor tuvo un inicio prometedor cuando participó en dos películas de James Dean, pero luego se frenó cuando Hopper se ganó una reputación de iracundo y de que abusaba del alcohol y las drogas. En la filmación de True Grit, hizo enojar tanto a John Wayne que se dice que éste lo persiguió con un arma cargada.
Hopper también se casó cinco veces y vivió una vida cargada de drama hasta el final. En enero de este año, presentó un pedido de divorcio de Victoria Hopper después de 14 años y ella lo acusó en documentos judiciales de intentar eliminarla de su herencia. Hopper lo negó.
“Gran parte de Hollywood consideraba a Hopper un dolor de cabeza”, escribió el crítico e historiador David Thomson.
Los años pasan y el Pacman llegó a los 30. Esta semana este popular videojuego está de aniversario. Un 21 de Mayo de 1980, el programador Hideyuki Mokajima presentó un videojuego cuyo nombre proviene del japonés, "paku" que significa comer.
Primero se le conoció como "Puckman" pero en los Estados Unidos cambió de nombre para tomar la denominación que todos conocemos. A este especialista en computación le llevó más de un año y medio crearlo pero sirvió para ser un referente de toda una generación.
Y lo jugamos de distintas formas y tamaños y seguro, en estos momentos, recordarás esos instantes, encerrado, jugándolo o tratando de que no te coma y como gritabas. Con el correr de los años, el Pacman se convirtió en el juego de mayor venta de todos los tiempos. El glotón no paró y se adecuó a las nuevas tecnologías. Simplemente, ¡feliz cumpleaños y gracias por darnos tanto... y que no pare!
Se cumplen tres décadas de la muerte del cantante. El líder de Joy Division marcó a toda una generación. Su legado fueron sus canciones oscuras e introspectivas.
-- Parte del público estaba asustado. Sobre el escenario, aquel joven se convulsionaba de manera extraña. Daba miedo. Tenía la mirada perdida, y agitaba los brazos nerviosamente al ritmo de la música.
En las primeras filas, un reducido grupo de neonazis coreaba la actuación, convencidos erróneamente de que el nombre del grupo –una alusión a los pabellones de prostitutas de los campos de concentración–, era un claro indicio de su ideología nacionalsocialista. Nada más lejos de la realidad.
Joy Division era un grupo extraño. Y entre sus muchas rarezas se encontraba la fascinación por la estética nazi, algo que compartieron con muchas bandas de la época, que encontraban en ello una forma de provocación. La década de los setenta tocaba a su fin, y el efímero fenómeno punk pedía a gritos una renovación interior, un soplo de aire fresco. Y aquel extraño joven y su banda estaban dispuestos a poner su grano de arena.
Un alma perturbada
Puede que algunos pensaran que había algo de pose en la actitud de Ian sobre las tablas. De ser cierto, eso sólo respondería a una parte de la realidad: Curtis padecía epilepsia, una enfermedad que había contribuido a reforzar lo introspectivo de su carácter y cuyos síntomas fueron su principal inspiración para su manera de bailar. Tal era su entrega, que sus habituales desmayos eran confundidos a menudo con parte del espectáculo.
Nacido en Manchester el 15 de julio de 1956, Ian Kevin Curtis había demostrado desde muy joven unas cualidades innatas para la poesía. No en vano, su talento le procuró una beca en la prestigiosa The King’s School, donde fracasó rotundamente.
Decidió entonces centrar sus esfuerzos en la música, dando forma a unas composiciones que destilaban un pesimismo romántico, un halo oscuro que reflejaba un nada disimulado sufrimiento interior. Curtis era un alma perturbada, frágil e inestable. Y como tal, parecía destinado a morir joven y de manera trágica.
Pioneros del post-punk
Ese mismo destino, a veces, encierra singulares paradojas: Joy Division nació gracias a un concierto de los Sex Pistols. En 1976, cuando todavía eran unos completos desconocidos para el gran público, la que más tarde se convertiría en la banda punk por excelencia actuó en Manchester ante un reducido grupo de fans.
Allí estaban Peter Hook, Bernard Sumner y el propio Ian, que no tardó en unirse a Warsaw, la banda que decidieron formar tras ver aquel concierto. Warsaw, rebautizados poco después como Joy Division, se hicieron un hueco en la escena local gracias a un sonido inédito que hacía de sus limitaciones su principal virtud.
A diferencia de la mayoría de los grupos de rock, en Joy Division era el bajo el que llevaba el peso de la melodía, apoyado en una base rítmica hipnótica, mientras la guitarra pasaba a un plano secundario. Por encima del resto, la profunda e inquietante voz de barítono de Ian dibujaba paisajes sonoros plagados de referencias literarias.
Joy Division poseían un magnetismo enigmático, doloroso y sincero. Tony Wilson, fundador del sello The Factory y personaje clave del llamado sonido Madchester, fichó al grupo para publicar su debut discográfico, Unknown Pleasures. El disco se alzó con el segundo puesto en las listas independientes británicas. Aquello les abrió las puertas a un segundo disco que, a la postre, se convertiría en la obra póstuma de Ian.
Desgarrado por el amor
La fascinación de Curtis por la muerte se había ido acentuando con el paso del tiempo. Su tormentoso matrimonio con Deborah Curtis, con quien se había casado a los 19 años, su relación extramatrimonial con la belga Annik Honoré y su desastrosa labor como padre desembocaron en una crisis personal que lo llevó a encerrarse en sí mismo y en sus propias letras.
Poco antes de que Closer, el segundo disco de la banda, viera la luz, y cuando Joy Division estaba a punto de embarcarse en una gira por EE UU, Curtis se ahorcó en la cocina de su casa de Manchester. En su tocadiscos giraba The Idiot, el álbum más introspectivo de Iggy Pop. Sus restos se enterraron bajo el epitafio Love will tear us apart (El amor nos desgarrará), el título de su canción más popular y el resumen trágico de su corta vida. Tenía 23 años.
Un icono, también en la gran pantalla
La singular vida de Ian Curtis ha servido de inspiración para el cine. Basándose en Touching from a distance, la biografía que del icono escribió la que fuera su mujer, Deborah Curtis, Anton Corbijn rodó en 2007 Control, un biopic protagonizado por Sam Riley, que guarda un espectacular parecido con el músico.
La cinta recogió multitud de elogios por parte de la crítica y recibió el premio a la Mejor Película Europea en el Festival de Cannes. Otros cineastas, como Grant Gee, optaron por retratar la vida de Curtis en forma de documental. Joy Division (2007) reconstruye la vida del cantante a través de las declaraciones de sus familiares y amigos más cercanos, contribuyendo a dar forma a un relato para muchos más fiel a la figura del mito.
Por otra parte, Michael Winterbottom plasmó en la imprescindible 24 hour party people la efervescencia de la escena de Manchester a finales de los setenta y principios de los ochenta, en la que Joy Division jugaron un papel esencial.
Su legado
- Unknown pleasures. 1979. El debut discográfico de Joy Division mostraba en su portada los 100 pulsos sucesivos del primer púlsar descubierto. Tan magnética referencia servía para hacerse una perfecta idea de lo atrayente de su sonido: canciones tan primarias como absolutamente estremecedoras, ejecutadas con una evidente limitación técnica que fue compensada con creces a base de pasión.
Disorder o She’s Lost Control dan buena cuenta de ello. Más allá de las listas indies, sus ventas fueron pobres, aunque con el tiempo sería reivindicado como uno de los debuts más influyentes de todos los tiempos.
- Closer. 1980. Pese a que el lanzamiento del segundo trabajo de Joy Division estaba programado para mayo de 1980, el suicidio de Curtis hizo que se aplazara hasta julio de ese mismo año. Así pues, el líder de Joy Division no vivió para ver el éxito de Love will tear us apart, single que no apareció en la primera edición de un disco más austero y claustrofóbico que su predecesor.
Una auténtica obra maestra de sombría, funeraria y premonitoria portada que puso el punto y final a la banda y sirvió de nexo entre el punk y la new wave, de la que los supervivientes de Joy Division serían grandes protagonistas con su nueva banda, New Order.
Un reciente anuncio de Warner Bros dejó entrever la posibilidad de que estos dos héroes tengan una película juntos para el años 2013.
De acuerdo a lo que uno de los ejecutivos dio a conocer, se está planeando traer de nuevo al Hombre de Acero a la pantalla, aunque no sólo. De acuerdo a lo que se adelantó, se busca probar la respuesta de la cinta de la Liga de la Justicia, pero experimentando con sólo dos personajes, y ellos dos serían los más probables.
Hasta ahora, se trata de planes sin aterrizar, pero que siguen flotando como posibilidad dentro de los planes de la empresa.
Aquí un trailer de "Enemigos Públicos", serie animada en dónde se juntan estos dos personajes.
Hugo Weaving, rostro del mítico villano de la trilogía ‘Matrix’, trabajó con el directo Johnston en la reciente ‘El hombre lobo’ y ha sido elegido para interpretar a Red Skull en ‘The First Avenger: Captain America’, que debería estar en los cines el 22 de julio de 2011.
En los cómics, Red Skull, o Cráneo Rojo, ha sido el mayor enemigo del Capitán América desde 1941, cuando estuvo implicado en misiones de espionaje y sabotaje como la mano derecha de Hitler. Al igual que el superhéroe, el villano se conservó en vida durante décadas, siendo reanimado en nuestro presente.
En este sentido, el director Joe Johnston ya confirmó que su película narrará cómo Steve Rogers se convierte en el Capitán América, y que lo veremos luchar en la II Guerra Mundial.
En la última version filmica de 1990, el papel de Red Skull fue interpretado por Scott Pauilin.
El estreno será el 22 de julio del próximo año. Se esperan dos secuelas
El actor Chris Evans es el elegido para dar vida al Capitán América, el popular héroe de cómic estadounidense, en al menos tres películas, informó hoy la revista especializada Variety.
El acuerdo con Marvel Entertainment sella el estreno de una primera película el 22 de julio del próximo año, que llevará por título “The First Avenger: Captain America” y en la que el villano, Red Skull, será interpretado por Hugo Weaving.
Evans repetirá el papel en “The Avengers”, una cinta en la que también aparecerán Iron Man (Robert Downey Jr.), Thor (Chris Hemsworth) y Hulk (Edward Norton).
Ese filme tiene previsto su estreno para el 4 de mayo de 2012.
Evans ha sido el elegido en una lista en la que aparecieron nombres de estrellas consagradas de Hollywood como Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Mathew McConaughey o Will Smith, y también de jóvenes valores como Chace Crawford (Gossip Girl), Kellan Lutz (Crepúsculo), Chris Pine (Star Trek), Channing Tatum (G.I.Joe) e incluso Joe Jonas, uno de los Jonas Brothers.
SALDRÁ EN VARIOS FILMES El actor, que próximamente estrena “The Losers”, otra cinta de superhéroes, también realizará apariciones especiales en películas basadas en personajes de cómic de Marvel.
Evans fue finalmente el elegido de Marvel dentro de una larga lista en la que aparecían los nombres de John Krasinksi, Channing Tatum, Chace Crawford, Ryan Phillippe, Garrett Hedlund, Michael Cassidy, Patrick Flueger, Scott Porter y Wilson Blethel.
Marvel ya había trabajado anteriormente con Evans en el rodaje de las dos películas de la saga “Fantastic Four”, donde dio vida a Johnny Storm.
Joe Johnston, quien dirigió la reciente “The Wolfman”, será el director de la primera entrega, que contará con guión de Christopher Markus y Stephen McFeely.
El cómic, creado en la década de 1940 por Jack Kirby y Joe Simon, presenta a un joven enfermizo que, al recibir una inyección de un suero especial, se convierte en la perfecta arma de EE.UU. para derrotar a los nazis durante la II Guerra Mundial.
Su vestimenta recuerda a la bandera estadounidense y siempre porta un escudo indestructible.
-- Aquí algunos trailers de versiones anteriores del Capitán América:
Según cuentan en Superhero Hype!, ‘Iron Man 2′ tendrá una escena extra posterior a los créditos finales, al igual que ocurrió en ‘Iron Man’ y en ‘El Increíble Hulk’. Y, por lo que dicen, el momento va a ser apoteósico para los fans marvelianos porque sería una escena sobre el Capitán América y Thor. Entonces habrá que quedarse hasta el ultimísimo microminuto del filme.
Chris Hemsworth encarnará al Dios del Trueno y compartirá elenco junto a Natalie Portman y Anthony Hopkins. Luego protagonizará “Los Vengadores” con Iron Man, La Viuda Negra y Capitán América
El cine no deja de darle buenas noticias a los amantes de las historietas. El Jueves se estrenó Iron Man 2 y hoy se ha revelado la primera imagen del rostro de ‘Thor’, el superhéroe de Marvel creado por Jack Kirby y Stan Lee, que pronto llegará a la pantalla grande.
Protagonizada por Chris Hemsworth, la película será dirigida por Kenneth Branagh (Hamlet, Mucho ruido y pocas nueces) y cuenta con un reparto de lujo, en el que destacan Natalie Portman (Jane Foster, científica y el gran amor del personaje), Anthony Hopkins (Odín), Rene Russo (Frigga, madrastra de Thor) y Tom Hiddleston (hermanastro de Thor).
El estreno mundial de la cinta está pactado para el 05 de mayo del 2011.
Pero los fanáticos de ‘Thor’ podrán ver a su personaje nuevamente, solo un año después, en el 2012, en la cinta “Los Vengadores”, que contará con la participación de Robert Downey Jr. (Iron Man), Chris Evans (El Capitán América), Scarlett Johansson (La Viuda Negra) y Samuel L. Jackson (Nick Fury). La dirección de la película estará en las manos de Joss Whedon.
Dave Ellefson regresó a la formación que lidera Dave Mustaine y se encuentra ansioso de tocar en Lima. Dave, te hemos estado esperando en el Perú desde 1985, la época Combat (“Killing is My Business and Business is Good!”) Tanto tiempo (risas).
Tú sabes que Megadeth ya tocó una vez aquí en Lima pero ese día muchos te extrañamos. Oh, muchas gracias, aprecio mucho eso que me dices, esta será mi primera vez en el Perú y será también con Megadeth allá, es por eso que estoy muy ansioso de ir a verlos.
En este momento estás en Brasil, en Porto Alegre, ¿cómo te sientes de estar en Sudamérica nuevamente? Me siento grandioso. A mí me encanta estar aquí en Sudamérica, que es uno de los lugares adonde Megadeth llegó por primera vez, hace muchos años, para tocar en el Rock en Río. Luego vinimos en 1994 para la gira Youthanasia; tocamos en Argentina y Chile, y me di cuenta de que los tours eran cada vez más extensos, pues se agregaban más y más países. Es por eso que esto es como un segundo hogar.
Este Endgame Tour es realmente extenso… Comenzamos este tour en Norteamérica; luego estamos siguiendo por Centro y Sudamérica para así ir a Europa y luego regresar a Norteamérica y hacer un tour con Slayer y Testament. Estaremos ocupados unos 5 o 6 meses más.
¿Cuál fue el verdadero motivo de la separación de Megadeth en el 2002? Bueno, la banda se acabó porque Dave [Mustaine] tuvo una seria lesión en la mano y no podía continuar tocando. Entonces cada uno tuvo que tomar su propio camino, como yo lo hice, me mudé, fui a la universidad, estudié más cosas hasta que un día me llamaron para grabar un álbum de Megadeth, que era “The System Has Failed”, pues la disquera necesitaba un disco por motivos de contrato. Honestamente, pensé que no era buena idea hacerlo, pues tenía en mente mi propio álbum. Ahora hemos vuelto a hacer un tour juntos. Dave y yo estamos disfrutando una nueva amistad, el tour, tocamos muy bien juntos; sabes, a veces el proceso es doloroso pero el resultado final es muy positivo.
Todos estos años continuaste trabajando: en el 2003 con Soulfly, la banda de Max Cavalera, así como tu banda F5, que tuvo muy buenas críticas… Lo que dices es muy cierto, por eso aproveché ese tiempo, pues en todos mis años con Megadeth jamás hice un proyecto en solitario ni toqué en ningún sitio que no fuese la banda. Ahora es un buen momento para estar juntos nuevamente, especialmente con el Tour Rust in Peace.
Son 20 años ya (Risas) No sé cómo ha pasado tanto tiempo.
¿Conoces algo de las bandas de metal latinoamericanas? Conozco Sepultura y Angra, creo que esas dos son las más grandes que hay en Sudamérica. En Norteamérica conozco a Puya.
¿Y conoces algo del Perú? No sé mucho, solo que tiene altas montañas y un estadio bien grande que se ve desde el avión (risas); les pido mil disculpas por mi falta de conocimientos pero quiero aprender más del Perú.
Pero tenemos buen café aquí, pregúntale a Dave si quieres. Sí, sé. Definitivamente, amo el café, para mí es una de las maravillas que Dios nos ha dado.
¿Cuál es tu álbum preferido de Megadeth? Me gustan todos, pues cada uno tiene su espacio especial, pero hay algunos que tal vez te los podría enumerar como el “Peace Sells”, “Countdown to Extincion”, pero tal vez el álbum que pasé más tiempo escuchándolo fue el “Youthanasia”.
¿Que les dirías a tus “fans”, que te esperan el domingo 2 de mayo? Hombre, estoy tan ansioso de ir para allá, me han contado tantas buenas cosas del Perú… será mi primera vez con Megadeth en tu país y es algo que quiero hacer.
Un día como hoy, hace tres décadas, dejó de existir el realizador británico, director de cintas como “La ventana Indiscreta” y “Psicosis”.
Treinta años después de su muerte, la sombra de Alfred Hitchcock no solo es voluminosa y reconocible, sino también alargada, ya que la vigencia de su cine sigue inalterable por una complejidad que va más allá de las magias del suspenso.
El cine le debe mucho más a Hitchcock que un solo género. Todo giraba alrededor de unos ejes reconocibles: un falso culpable, una mujer rubia o un policía del que burlarse.
Pero los críticos y posteriores cineastas de “Cahiers du Cinéma”, especialmente Truffaut en su libro “El cine según Hitchcock”, fueron los primeros en leer entre líneas. En sentir que en la receta del maestro había más de un ingrediente indigesto. Rascaron en el entretenimiento y encontraron perversión. Descuartizaron el suspenso y hallaron alta comedia y pulsión sexual. Y en la planificación de su cine escudriñaron las claves del cine moderno, porque Hitchcock manipuló a su público a nivel subliminal con una inocente cámara.
Iluminó un vaso de leche desde dentro en “Sospecha”, introdujo el plano secuencia con resultados deslumbrantes en “La soga” o convirtió la teatralidad en algo sumamente cinematográfico en “Náufragos”. Incluso el formato ahora de moda, el 3D, funcionó para él en Crimen perfecto. Vértigo era en realidad una historia de necrofilia. “La ventana indiscreta” puro voyeurismo. “Encadenados” definía al villano interpretado por Claude Rains por su manifiesta inferioridad sexual. Y la homosexualidad paseaba por entre los rostros del monte Rushmore en “Con la muerte en los talones”.
El mago del suspenso no era un cineasta condescendiente con el débil. Disfrutaba mostrando la crueldad del instinto de supervivencia: el villano era más fascinante que el héroe, como en “Extraños en un tren”. La madre devoraba psicológicamente al hijo, como en Psicosis. Y la naturaleza imponía sus leyes a capricho, como en “Los pájaros”. Entre ese sadismo y la sensualidad volcánica emergía siempre elegante el humor con marca de la casa. Solo renunció una vez al suspenso, y fue para firmar una comedia: “Matrimonio original”.
El género lo acompañó casi siempre: despuntó por primera vez en “39 escalones”, se vistió de sofisticación en “Atrapa a un ladrón” y despidió su cine en “La trama”. Desapareció, en cambio, en sus títulos más incomprendidos: “Falso culpable” y “Yo confieso”.
MÁS DATOS Nació en Londres en 1899, pero se nacionalizó estadounidense. Se casó con Alma Reville y tuvo una hija, Patricia.
Introdujo el cameo en sus películas, un sello personal.
Innovó en la música, gracias sobre todo a Bernard Herrmann, quien rompió los moldes sinfónicos en el cine clásico.
Mantuvo abierto el canal de cine y pintura colaborando con Salvador Dalí para los decorados de “Spellbound” o recurriendo a Edward Hopper para recrear un terror seco por pura taxidermia del motel Bates.
El éxito vendría con el inspector Harry Callahan en la cinta Harry el sucio (1971) y que tuvo cuatro secuelas, las tres primeras dirigidas por Don Siegel y la última por Eastwood. El discurso que Callahan les da a los asesinos antes de morir es otra marca indeleble del cine. Callahan es el estereotipo del policía rudo, cínico, que siempre manda al diablo a sus jefes, que es anárquico y no reconoce a la autoridad. Harry derriba puertas sin orden de cateo, es decir, quiebra todas las leyes conocidas por el hombre. Pero cuando empuña su Magnum se convierte en un instrumento de la justicia para capturar al asesino. Jamás se ha celebrado tanto a un antihéroe como a 
